miércoles, 28 de diciembre de 2011

Rubber de Quentin Dupieux

Una película sinrazón


Las películas como la vida están llenas de sinrazones, hechos o situaciones que no tienen una explicación de porque están allí. "Rubber" de Quentin Dupieux es un homenaje a la sinrazón que vemos constantemente en los filmes y  da como  resultado un filme atípico, absurdo y delirante, en donde la lógica racional directamente no existe. Piensen en la historia de un viejo y abandonado neumático de auto que sin una razón aparente cobra vida y comienza a sembrar el terror en un pequeño pueblo del desierto norteamericano al descubrir que tiene poderes mentales y puede hacer explotar, con solo pensarlo, a quien se le cruce en su camino. Eso no es todo, pues la goma rodante esta obsesionada con Sheila ( Roxane Mesquida ) una joven del lugar y no parara hasta acosarla marcando su lado psicópata y perverso. 

Pero "Rubber" tiene más, pues todo esto que les cuento es parte de un filme con interpretación en vivo y con espectadores que observan todo desde una de las colinas con larga vistas. Un verdadero delirio.


"Rubber" es una de las películas más ingeniosas que he visto últimamente, pues sabe combinar el absurdo con una trama de horror y suspenso, llegando al punto de convertir a la gastada cubierta en un personaje totalmente creíble y con carácter que por momentos llega a inquietar.

Dupieux se ríe del cine y de todos los estereotipos y sinrazones que plagan las películas y arma un filme emblemático, enrolado dentro una trama al estilo "serial killer" pero  movido por las leyes del absurdo. Dentro del elenco se destacan  Stephen Spinella, Jack Plotnick y Wings Hauser. Estoy seguro que los amantes de este tipo de cine la van a pasar genial y no se van a ver defraudados

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Halloween

Entretelones de un filme de culto 


Afiche original
En la primavera de 1978 un grupo de jóvenes productores y el director John Carpenter se juntaron y dieron comienzo al  rodaje del filme Halloween sin tan siquiera pensar en lo que eso significaría para sus carreras. La producción a cargo de Moustapha AkkadDebra Hill e Irwin Yablans contaba con un presupuesto reducido de 300.000 dólares y Carpenter junto a Tommy Lee Wallace debían encontrar la forma de como realizar el  filme con ese acotado presupuesto, Luego de pensar de que manera se podrían ahorrar costos en relación al tiempo de rodaje Carpeter recurrió a lo que hoy se conoce como Steady cam (el usado en el filme era un sistema anterior mucho mas pesado) y que en aquella época solo se había utilizado por primera y única vez en el filme Rocky, de John G. Avildsen pero solo en escenas de pelea. La inclusión en el diseño de producción y rodaje de un dispositivo móvil que le permitía mover la cámara de un lugar a otro, le dio al filme la posibilidad de que el espectador estuviera más cerca de la acción, lo que redundo en un mejor manejo del suspenso y el terror. 

Para el papel de Laurie Strode, los productores y el director  recurrieron a Jamie Lee Curtis, una joven actriz que recién empezaba a dar sus primeros pasos en el cine y que tenia como referencias ser la hija de los actores Janet LeighTony Curtis. Para el papel del doctor Samuel Loomis se pensó en un primer momento en dos míticos actores del cine de terror Peter CushingChristopher Lee, pero finalmente, y luego de que ambos rechazaran el papel, el rol recayó en Donald Pleasence.La inclusión de este veterano actor, hizo que el presupuesto se incrementara en 25.000 dólares.

El rodaje tiene sus secretos y anécdotas, algunas muy insólitas, como por ejemplo que la mascara, que luego se convertiría en la imagen representativa del personaje, es del capitán Kirk el de viaje a las estrellas. ¿Alguna vez pensaron que el rostro de William Shatner y el Michael Myers son el mismo?

Otro dato curioso es que Carpeter presento un off line sin música a un importante estudio para su distribución, al terminar la proyección  le dijeron que el filme era muy malo y que no asustaba a nadie. Unos meses después volvió a presentarlo, esta vez con la música, y la misma persona que antes la había calificado de mala y que no asustaba a nadie, le dijo que era la mejor película de terror que había visto en años. ¿El poder de una buena música o un empresario del cine con poca memoria? Cosas que tiene el cine.

Respecto a la música el dato de color es que ese tema, que todavía hoy nos pone la piel de gallina cuando la oímos, es una simple melodía que su padre le tocaba a Carpenter cuando era niño y que  el director recordó y pensó que iría bien con la película... increíble ¿no?

Pero ¿quien interpreto a Michael Myers? En  realidad no fue solo un actor el encargado de calzarse la mascara, sino varios, entre ellos el director y amigo personal de Carpeter, Nick Castle. También lo hicieron Tony Moran, Tomy Lee Wallace y la mismísima Debra Hill

El corte final del filme esta plagado de errores, entre los más destacados esta la toma junto a una cerca de ligustros donde se ve claramente una bocanada humo del cigarrillo de Carpeter que estaba escondido detrás de los arbustos supervisando la escena.

Curiosidades de un filme de culto que ha perdurado después de más de 30 años de su estreno y que aún sigue dando suculentas ganancias económicas... ¿Habra Michael Myers para rato?


domingo, 21 de agosto de 2011

Piraña 3 D de Alexandre Aja

Simplemente sangre

Allá por 1978 el director Joe Dante, impregnado por el éxito de Tiburón de Steven Spielberg, se embarco en un proyecto de similares características y realizo el filme Piraña. Un filme de bajo presupuesto en donde un cardúmen de voraces pirañas modificadas genéticamente por la contaminación de una planta industrial que arrojaba desechos al lago, se hacian  un verdadero festín de sangre y carne fresca con quien se se metiera en su territorio. 

Siguiendo con esta modalidad de Hollywood de hacer remakes de viejos filmes y a más de 30 años del estreno del filme de Dante, el director Alexandre Aja, se animo a hacer una nueva versión del filme, esta vez con algunas modificaciones es su idea original y apoyado por las nuevas tecnologías de imágenes generadas por computadoras y por el resurgimiento de los filme en 3ª dimensión. El resultado es un filme realmente malo, totalmente aburrido y con una trama mas emparentada con  Tiburón que con el filme original, de hecho es evidente el guiño, pues apenas inicia el filme la primera víctima de este nuevo cardúmen de hambrientas pirañas es el actor Richard Dreyfuss, recordado por su papel del oceanógrafo Matt Hooper en el filme de Spielberg. Por otro lado, el personaje de Martin Brody que interpretaba Roy Scheider esta ahora en manos de una mujer la sheriff  Julie Forrester, interpretada por la actriz Elizabeth Shue y su historia personal es algo similar a la  de Brdody ya que sus hijos también se ven en peligro igual que los hijos de Brody.

La historia es demasiado simple. En plena época de vacaciones en el lago Victoria, un movimiento de las placas tectónicas submarinas liberan a centenares de pirañas prehistóricas al lago lleno de jóvenes musculosos y chicas esculturales y con poca ropa. Lo que sigue es más que evidente, la masa juvenil que prácticamente han copado el lago,  terminaran siendo el almuerzo de los voraces pececitos. 

A Alexandre Aja le gusta la sangre y el cine gore, lo ha demostrado con sus tres filmes anteriores. En Piraña 3 D no se queda atrás y pone todo lo que tiene en los efectos de maquillaje y digitales, así vemos miembros comidos, cuerpos mutilados y escenas verdaderamente sangrientas, claro que con eso solo no vasta, porque al no tener una historia que realmente atrape el interés del espectador toda esa pirotécnia visual queda absolutamente en la nada. Piraña 3 D es un verdadero bodrio, uno más de los tantos que se están produciendo últimamente  en los Estados Unidos.

domingo, 5 de junio de 2011

Halloween 2 de Rob Zombie

Más vivo que nunca

Michael Myers no esta muerto, esta mas vivo que nunca, el responsable de traerlo nuevamente a la vida es el director Rob Zombie, quien parece haber quedado prendado con el mítico personaje creado por John Carpenter, y Debra Hill allá por finales de la década del 70. En esta su segunda película sobre uno de los asesinos seriales mas populares que ha dado el cine contemporáneo, Zombie trata de entrar en la mente Myers y lo hace desde una perspectiva surrealista, incluyendo una serie de visiones en donde aparecen su madre (la infaltable Sheri Moon Zombie) y él mismo cuando era un niño (el personaje de "Halloween el origen" el filme anterior de Zombie) Lo que sigue, es ya conocido, Michael  Myers no está para nada muerto como asegura el doctor Sanuel Loomis, interpretado nuevamente por el actor Malcolm McDowell, y esta dispuesto a acuchillar y despedazar a quien se le cruce en su camino. 

El filme, no aporta nada nuevo al género ni a la historia, Myers sigue siendo el mismo psicópata de siempre, ávido de enterrar su enorme cuchillo en el cuerpo de quien tenga en frente. Si hay un cambio en cuanto la forma en que se presenta el personaje, ya que por momentos podemos vislumbrar el rostro de este despiadado asesino, aunque mimetizado bajo una tupida barba y un largo cabello. Esta es la primera vez en toda la saga que se ve el rostro de Myers, dándole así al personaje una entidad que antes no tenía, sacándolo de ese pedestal de criatura no humana y demoníaca. Esta era la oportunidad que el director tenía para explotar un lado más humano del personaje, pero Zombie, prefirió seguir siendo fiel a los caracteres creados por Carpenter, antes de animarse a bucear un poco en las cuestiones que hacen a la psicología del personaje y por consiguiente, Myers sigue siendo el mismo impertérrito e insensible criminal.

Por lo demás, mucha sangre como es costumbre en las películas del director Rob Zombie, algunas escenas muy bien resueltas desde la composición, sobre todo aquellas en donde la acción sucede de noche y muy poquito en lo que se refiere al guión.

A más de treinta años de su inicio, Michael Myers sigue causando muertes por donde transite, lastima que ya no cause tanto miedo como aquella primera vez, cuando se encargo de asustar a una jovencita Jamie Lee Curtis ¿Sera hora que lo dejen descansar en paz y no lo vuelvan la vida una y otra vez como hacen con Jason Voorhees?

domingo, 17 de abril de 2011

Un maldito policía de Werner Herzog

El enemigo interior

Hacer una remake implica un desafíio por parte del realizador que se anima a tomar un guión de un filme ya hecho para hacer una nueva interpretación. Este desafio esta puesto en que si la película original  fue un éxito, el resultado de la ramake debe ser igual o mejor. La mayoría de la veces sucede todo lo contrario, remakes como "Psicosis" de GusVan Sant o "Criminal" de Gregory Jacobs que es  la versión americana de la película argentina "9 Reinas" de Fabián Bileinsky son dos ejemplos claros.

Siguiendo esta linea de tomar viejos guiones y readaptarlos a la época actual, el director alemán Werner Herzog se propuso hacer una nueva versión del filme de culto "Un maldito policía" de Abel Ferrara. Para quienes vieron el filme original de 1992 y vieron la remake del 2009 se van a encontrar con sustanciales diferencias, que no son principalmente en la historia central, sino en la concepción del personaje. El policía corrupto que interpretaba Harvey Keitel entraba en una espiral de decadencia moral, espiritual y física que se iba desarrollando a lo largo de todo el filme hasta terminar en una persona completamente desquisiada. En la versión de Herzog, el personaje que interpreta Nicolas Cage también entra en un círculo de drogas y violencia, pero sus resultados son distintos. El maldito policía de Ferrara no tiene salida y cae en un pozo oscuro, mientras que el  de Herzog parece tener una luz al final del camino.

Afiche del filme original de 1992
Otra significativa diferencia son las maneras de narrar de ambos. A Ferrara  le gusta más la noche, por eso su personaje  deambula por el sub mundo de la noche más que de día. Ferrara debe ser uno de los  directores que mejor maneja las imagenes nocturnas. Sus  primeros planos con luces desenfocados y su agudo ojo sobre la crudeza  y la violencia urbana  hacen  de este director uno de los más plásticos en este sentido En cambio para Herzog la noche y sus historias de marginalidad no parecen ser tan importantes, por eso su personaje no vive ni transita demasiado la noche.

Ambos filmes son interesantes  y se dejan ver, pero quizá sea la versión de Ferrara la que sale mejor parada, primero porque Keitel interpreta al teniente de policía de  manera sobresaliente y segundo porque Ferrara tiene un mirada diferente, en especial sobre ciertas miserias humanas. Por otro lado, lo que desmerece un poco al filme de Herzog en la interpretación de Nicolas Cage, quien no logra encajar en el personaje sino es a través del estereotipo, lo que se nota demasiado en su actuación.

viernes, 25 de marzo de 2011

La carretera de John Hillcoat

Nunca dejes de caminar


El fin del mundo parece ser un tema muy atractivo para los productores de Holywood, en especial aquellas películas que hablan sobre un mundo post apocalíptico. Claros ejemplos son, "Doomsday" de Neil Marshall "El libro Eli" de los hermanos Albert Hughes y Allen Hughes, "Soy leyenda" de Francis Lawrence y la reciente "La carretera" de John Hillcoat. De todos estos títulos "La carretera" sobresale sin ninguna duda. La diferencia radica en que el filme de Hillcoat, además de tener un guión muy sólido, cuenta una historia sumamente interesante entre un padre y un hijo que deambulan por un mundo devastado en busca de un futuro que quizá nunca llegue. 

Todos los filmes que mencioné anteriormente retratan ese Universo post apocalíptico de distintas formas y con mayor o menor crudeza, pero "La carretera", sin ser un filme extremadamente violento como "Doomsday" o "El libro de Eli", resulta ser el mas inquietante de todos. Esto se debe a que además de ser una historia de supervivencia, es también un drama psicológico. A lo largo del filme se plantea la relación entre un padre desesperado  y su hijo. El hambre, la falta de un techo donde dormir y las pandillas de personas que se han convertido en caníbales, son sus principales enemigos. Ambos deambulan cual mendigos, por calles y terrenos peligrosos, van hacia el mar, en busca de una esperanza incierta. Comen lo que pueden, duermen donde los atrapa la noche y nunca dejan de caminar. El caminar los mantiene vivos. 

El padre es una persona muy desconfiada, se ha vuelto egoísta y desalmado, mientras que su hijo de  unos doce años, es todo lo contrario, no puede soportar la terrible situación y siempre trata de ayudar a las pocas personas con las que se cruza. Esta diferencia genera ciertos roces entre ambos, pues su padre es capaz de matar si alguien le roba alguna lata de comida o una frazada, mientras que su hijo esta siempre abierto a compartir lo poco que tienen. El padre guarda dos balas en su revolver y entrena a su hijo para que, llegado el momento, lo mate y luego se suicide, algo realmente conmovedor.

"La carretera" es uno de los filmes mas emotivos que he visto, hacia tiempo que no derramaba una lágrima viendo una película y juro, que este filme me las hizo brotar en varios pasajes. Quizá, sea ese halo de tragedia que invade todo el filme, el que a uno lo haga flaquear, pues intuye que no existe salvación alguna, aunque el final deje abierta una puerta a la esperanza.
Viggo Mortensen esta fantástico, al igual que un irreconocible  Robert Duvall, lo mismo para el niño Kodi Smit-McPhee  en el papel del hijo. La dirección de Hillcoat es impecable, duele ver esas imágenes de un mundo destruido a  casi cenizas y uno puede sentir el frío y el hambre como si fueran propios.  

"La carretera", es un filme magnifico, terriblemente doloroso que nos pone un punto de atención en lo que nos puede llegar a suceder si no cambiamos algunas actitudes.

domingo, 13 de febrero de 2011

Synecdoche, New York de Charlie Kaufman

El caótico mundo de Charlie Kaufman
Afiche original del filme

El genial guionista de filmes maravillosos como "Adaptación" (aquí conocida como "El ladrón de orquideas") ·¿Quieres ser John Malkovich?" o "Eterno resplandor de una mente sin recuerdos" Charlie Kaufman, debuta como director con "Synecdoche, New York" un filme extremadamente complejo como original. La película, cuenta la historia del director de teatro Caden Cotard, interpretado por Philip Seymour Hoffman, quien se enfrenta a una crisis existencial, pues su vida no puede estar peor. Su mujer Adele se ha ido a Berlín para continuar con su carrera artística, llevándose a la pequeña hija de ambos. Esta realizando la puesta de una obra de teatro, la cual parece nunca tener fin, e ir mutando a cada rato, es como si todo fuera parte de su propia vida, con actores que se encargan de representarlo a él y a las personas mas cercanas. La obra comienza en un pequeño teatro y luego se va ampliando hasta  transcurrir en una réplica tamaño real de Nueva York  Por otro lado, una extraña enfermedad parece afectarlo físicamente, aunque todo hace suponer que en realidad son respuestas psicosomáticas las que atacan su cuerpo, ya que vive en los médicos y esta pendiente de cada nuevo síntoma que le aparece, como por ejemplo una escena en donde examina sus excrementos y dice ver sangre en ellos.

El universo creado por Kaufman  en "Synecdoche, New York", es verdaderamente caótico y sumamente confuso, ya que, al igual que en los filmes de David Lynch, los personajes tienen representaciones distintas y llega un momento en donde uno no sabe exactamente quien es quien. Además, existen tantos tiempos diferentes, que la narración se hace por demás quebrada y alterada, lo que provoca una mayor confusión para el espectador. El eje central por el que transita la historia parece ser el miedo a  la muerte, a las enfermedades y a la vejez, pero también hay una mirada sobre el sexo y la infidelidad y sobre la imposibilidad de terminar algo (la obra de teatro lleva años de trabajo y nunca se termina del todo) Existe también  en el filme, el sentido de la dualidad, sexual,  Caden, además de ser un hombre, es también una mujer al interpretar a Ellen, uno de los personajes del filme.

Con actores de la talla de Samantha Morton, Dianne Wiest, Emily Watson, Catherine Keener y Tom Noonam, "Synecdoche, New York" es un filme surrealista, muy irregular, fluctuante, por momentos disparatado y absurdo, pero por sobre todas las cosas puramente onírico, en donde la realidad se mezcla constantemente con la ficción. "Synecdoche, New York"  no es un filme fácil de llevar, su visión implica un esfuerzo extremo para poder tratar de interpretar lo que la mente de Kaufman nos ha querido decir, quizá. algo que nos aclare un poco el "bolonqui" argumental este en el nombre original, que incluye el juego de palabras entre Schenectady (la ciudad de Nueva York donde se desarrolla la historia) y synecdoche, el término inglés para referirse a sinécdoque, la figura literaria que consiste en utilizar una parte de algo para nombrar o representar al todo. En fin, la verdad, no lo se. Prefiero ver un filme de Lynch, si bien son también complejos son más provocadores..

lunes, 24 de enero de 2011

7 días de Daniel Grou (PODZ)

Ojo por ojo
"Siete días" del canadiense Daniel Grou (quien firma sus películas como PODZ) es un filme fuerte, que cala hondo en el espectador por su crudeza y  realismo  y que además, plantea el dilema moral de si es lícito aplicar la ley de Talión en aquellas personas que han sido victimas de algún tipo de  delito y cuyas consecuencias acarrean  daños irreparables.

El filme, basado en al novela  "Les sept jours du talion"  de Patrick Senécal, cuenta  la historia del Dr Bruno Hamel (Claude Legault), quien tiene una vida feliz con su esposa y su pequeña hija Jasmine y que de repente se ve totalmente cambiada cuando su hija es encontrada muerta y violada en un descampado. A partir de ese terrible y doloroso suceso, el Dr Hamel entra en una espiral de venganza que lo llevara hasta su propia degradación humana. Hamel, movido por instintos primitivos, secuestra  a Anthony Lemaire (Martin Dubreuil) el sospechoso del asesinato y violación de su hija y durante 7 días lo tortura sin piedad en un acto de resarcimiento por  lo que le hizo a su pequeña y a su familia.

El filme es extremadamente explicito, las laceraciones, golpes y operaciones  a las que es sometido Lemaire son  muy reales e impactan profundamente. También  provocan la crudeza y la manera con la que se trata un tema espinoso como es el de si aplicar justicia por mano propia es aceptable o no en casos de violación de menores seguida de muerte. En la película las dos posturas están claramente expuestas y sera el espectador  en definitiva quien deba  tomar partido por una u otra.  El filme también reflexiona sobre quien es mas cruel, si aquel que dio muerte a una indefensa niña luego de violarla o quien  esta aplicando la justicia por mano propia de una manera brutal e inhumana.

El número 7 tiene un significado doble, por un lado reperesenta la edad que su hija iba a cumplir antes de su muerte, pero por otro tiene que ver con la simbología mística del número, que como  se sabe esta relacionada con el creador supremo, Bruno Hamel es ahora un Dios vengativo que tiene el poder dar o quitar la vida.

Daniel Grou se muestra como un realizador interesante que apuesta a un cine personal y reflexivo, con una puesta en escena en donde los silencios del protagonista se contraponen con los gritos desgarradores de su víctima. Por su parte Claude Legault esta verdaderamente soberbio en el papel de Bruno Hamel. Arma su personaje desde la contradicción misma. Nunca se lo ve completamente conforme con lo que hace. Por un lado esta convencido que lo que esta haciendo es lo correcto, pero por otro, su lado racional aparece, lo confronta con él mismo y lo  pone frente un dilema moral que le provoca violentos ataques de ira. Esto queda de manifiesto cuando encuentra los restos de un ciervo semi devorado por los animales salvajes y cuya presencia en el lugar le provoca rechazo, al punto de ocultarlo bajo una ramas.

"Siete días" es un filme impactante, con un tema recurrente en el cine (la venganza como epicentro) pero con una mirada mucho mas humana, aunque algunas escenas,  por su truculencia, no lo demuestren.

sábado, 15 de enero de 2011

La mejor escena de supenso

El faro de la angustia de Simon Hunter

Si tuviera que elegir la mejor escena de suspenso que he visto últimamente, seguramente elegiría una del filme "El faro de la angustia" del director británico Simon Hunter. El filme rodado en 1999 cuenta la historia de un grupo de empleados carcelarios que trasladan en barco hacia una cárcel a varios reos. En medio del traslado se enfrentan a un banco de niebla y sufren un accidente náutico que los obliga a recalar en el faro de la costa, sin saber que hasta allí ha llegado también Leo Rook, un violento asesino serial que ha escapado de la cárcel.

La escena en cuestión es realmente formidable desde todo punto de vista. El capitán del barco, un hombre borracho, sube al entre piso para ir al baño. Se saca un especie de bufanda blanca que lleva, enrollada en su cuello, la  coloca en el suelo y se dispone a usar el sanitario. El lugar tiene varios retretes con puertas de madera. Mientras esta haciendo sus necesidades oye pasos que suben por las escaleras. Observa por debajo de la puerta del retrete y ve unos zapatos blancos (característica que identifica al asesino) luego unas gotas de sangre caen sobre los zapatos.
El capitán se asusta y trata de no ser descubierto. Se sube al inodoro y espera que violento el criminal se vaya. El asesino deambula por el baño, parece no haber detectado la presencia del capitán. El hombre  en el baño, suda por el terror que le provoca la situación.

De pronto, el capitán hace un involuntario movimiento con su brazo y un frasco de desodorante en aerosol que esta  sobre una repisa cae al suelo. La cámara sigue su caída, lo hace en cámara lenta. El miedo se acrecienta, los nervios se tensan. El objeto cae sobre la bufanda, apagando así el ruido. Primer suspiro, ahora respiramos aliviados. El asesino no se da cuenta, de que hay alguien escondido dentro del retrete. Comienza a irse del baño. Desciende lentamente por la escalera caracol, peldaño a peldaño. Lo hace lentamente, como si cada paso fueran cien. El hombre dentro de retrete suspira aliviado, se asoma y ve como el sádico criminal baja por la escalera. Se prepara para irse en cuanto pase el peligro. Instintivamente toma la bufanda sin darse cuenta  del objeto que  hay sobre ella. Al tomarla, el tubo del aerosol rueda por el piso hacia la boca de la escalera. Leo todavía esta bajando,  esta eternizado en ese descenso. El objeto, rueda y rueda, parece que nunca va a llegar. El tiempo se detiene. El aliento también.

En el retrete el hombre ruega a Dios que el tubo del  aerosol no caiga al vacío. Milagrosamente  el objeto metálico se detiene en el borde del oscuro hueco. Leo, continua su lento descenso. sin advertir nada. Segundo suspiro. Todo esta por terminar de la mejor manera. El hombre salvará su vida. De repente, una violenta ráfaga de viento abre la ventana del baño y le da al aerosol ese empujoncito que le faltaba para caer escaleras abajo. El tubo, movido por la gravedad cae y rebota en cada peldaño. El sonido de sus golpes son el presagio de una muerte inevitable. El capitán dentro del retrete no puede esta vez salvar su vida. 

Genial escena, me saco el sombrero y aplaudo a Simon Hunter por tan perfecta y bella escena de suspenso que creo no solo desde la construcción del guión, sino desde la magnifica puesta. Imperdible

domingo, 2 de enero de 2011

Enterrado de Rodrigo Cortés

Enterrado e incomunicado

Para los que hacemos cine filmar una película en un solo decorado y con un solo actor es como tocar el cielo con las manos. Costos de producción mínimos, nada de ir de una locación a otra y no tener que andar lidiando con varios actores y cientos de extras, son solo algunos de los beneficios que implica. Ahora bien, ¿se puede mantener el interés del espectador durante una hora y media en un solo decorado y con un solo actor? La respuesta esta en "Enterrado" el filme del director español  Rodrigo Cortés, quien con un guión  de Chris Sparling logra un filme verdaderamente inquietante y sumamente atrapante. 

Paul Conroy (Ryan Reynolds), un transportista  que trabaja en Irak, despierta atado y amordazado dentro de una caja de madera. No sabe porque está allí y quien lo puso. Poco a poco se va dando cuenta que su convoy de camiones a sido atacado y que él ha sido secuestrado por terroristas islámicos y que se encuentra literalmente enterrado vivo. Dentro de la caja hay muy pocos elementos, un encendedor de bencina, una lapicera, un celular, una navaja, una linterna y dos barras de  luces fluorescentes, de esas que se usan en emergencias. Paul sabe que no tiene mucho tiempo, así que empieza a usar el celular para tratar de contactarse con quien sea que lo pueda sacar de ese infierno bajo tierra. Los terroristas se contactan con él, piden cinco millones de dólares de rescate, sino en dos horas comenzaran a echarle tierra encima para  terminar de enterrarlo. 

No hay mucho más, esa es toda la película. Una hora y media viendo como un hombre, encerrado dentro de una caja de madera,  intenta escaparle a la muerte. Lo genial del filme es que pese no salir nunca de la caja, ni siquiera se ven flashbacks de lo que le paso, en ningún momento se pierde el interés por saber como Paul Conroy va salir de allí. Otro aspecto interesante del filme es su critica a los Estados Unidos y al manejo que hacen  con quienes son víctimas de actos terroristas. También existe una interesante mirada critica sobre la burocracia que hay cuando alguien llama pidiendo auxilio en una situación extrema. Derivaciones, preguntas estúpidas y largas esperas en linea son parte de un muestrario de inconcebibles situaciones por las que Conroy debe pasar. Una de las más dramáticas e increíbles es cuando lo llama el jefe de personal de la empresa para la que trabaja y luego de hacerle un montón de preguntas sin sentido, le comunica que ha sido despedido. Diría que el filme en vez de llamarse "Enterrado" se debería llamar "Incomunicado", porque, pese a tener un celular es muy poco el provecho que puede sacar. Uno al final no sabe que es peor, si estar enterrado vivo o si estar incomunicado en un momento tan crítico, en donde la vida se le escapa con cada segundo que pierde.En ese sentido es emblemática la parte en donde  Paul  habla con su madre,  que esta en un geriatrico y no logra que ella lo reconozca.

"Enterrado" es un filme distinto, con todos los ingredientes para entretener, emocionar e incluso incomodar. Por la osadía de plantearse una historia dentro de una caja y con un solo actor y por el resultado obtenido, digo que "Enterrado" es un de los mejores filmes que he visto ultimamente.