La autopsia de Jane Doe de André Ovredal

Los muertos no solo hablan

Inquietante, espeluznante y por momentos provocativa, "La autopsia de Jane Doe" emerge como una de las mejores propuestas de cine de horror de los últimos tiempos. Esto se debe en gran medida a la excelente dirección del noruego André Ovredal, quien en su segundo largometraje, el primero fue la extraña "Trollhunter" (2010), logra demostrar que sabe cómo manejar  el suspenso y el terror a la hora de plantar la cámara. Con mínimos recursos,  un solo ambiente y dos actores centrales, Ovredal nos introduce en un aterrador espacio en donde el horror va cobrando forma con el transcurrir de los minutos. 

El médico forense Tommy Tilden (Brian Cox) y su hijo Austin Tilden (Emile Hirsch) reciben a última hora el cuerpo de una joven y hermosa mujer, la cual fue hallada semienterrada en el sótano de una casa donde todos sus ocupantes fueron asesinados misteriosamente. Al ser una NN se le da el nombre provisorio de Jane Doe y se le pide al Dr Tilden que tenga la causa de su muerte antes del amanecer.

A partir de que el cuerpo de Jane Doe empieza a ser diseccionado sobre la mesa de ablaciones una serie de extraños sucesos empiezan ocurrir, como así también las inexplicables causas de la muerte de Jane Doe, las cuales no se condicen con el estado del cuerpoo, el cuál está en perfectas condiciones externas.  

A medida que avanzan en la autopsia las cosas van empeorando y el lúgubre escenario de la morgue familiar se convierte en un espacio de pesadillas, enigmas sin respuestas y muertes.

Ovredal, dirige el filme con maestría, haciendo que los pasillos de la funeraria Tilden se asemejen al mismísimo infierno y  que cada rincón se convierta en un lugar sin salida para los asustados Tommy y Austin Tilden. Cada plano, cada movimiento de cámara nos introduce, incluso desde las primeras tomas, en un ambiente de pesadillas, en donde el mal se percibe en el aire como un amenaza diabólica y  aterradora.

Por supuesto que no escapa a algunos convencionalismos del género, la noche tormentosa no podía faltar, al igual que las luces que se cortan y dejan todo el lugar en penumbras, la mascota que aparece en las primeras escenas y es la primera en morir trágicamente, como así tambien los efectos sonoros, fundamentales en el cine de horror. 

Si hay algo que quizá le tenga que criticar es una tácita aceptación por parte de los protagonistas a los hechos extraños y malignos en los que se ven involucrados, lo que hace que por momentos no se espanten como lo haría cualquier persona ante la resucitación de los cadáveres descompuestos que guardan en la morguera, los cuales salen del freezer  gracias a los poderes que tiene la extraña y misteriosa mujer. expuesta en la mesa de autopsias. 

A pesar de esos pequeños detalles "La autopsia de Jane Doe" es realmente un plato fuerte para los amantes del género con excelentes actuaciones  de Brian Cox Emile Hirsch y Olwen Kelly quien interpreta durante 90 minutos a la inmutable y maligna Jane Doe. 

Visiones de Kevin Greutert

Modesta, pero eficaz

El director Kevin Greutert se hizo conocido por la séptima entrega de "El juego del miedo", y en ese momento su debut detrás de las cámaras fue un verdadero desastre. Por suerte, existen proyectos mucho más pequeños y menos ambiciosos, que suelen amoldarse a las necesidades de los directores, haciendo que su traspié  inicial quede como una anécdota a olvidar. Es el caso de "Visiones", un  filme modesto, de muy bajo presupuesto, pero que gracias a un ingenioso guión de Lucas Sussman, se las arregla para sobresalir del resto de  films del estilo.

Luego de un trágico accidente  en el que Eveleigh Maddox (Isla Fisher) es la responsable, y en donde muere un pequeño niño,  las cosas parecen cambiar para ella y su esposo  David  (Anson Mount) al mudarse a una finca  destinada al cultivo de viñedos y la producción de vinos. David y Eveleigh  no solo han dejado atrás aquel mal momento, sino que además están esperando un hijo, por lo que no pueden estar en una inmejorable etapa como matrimonio. Pero la tranquilidad cambia drásticamente cuando Eveleigh  comienza a tener una serie de visiones que le hace presumir,  que la finca está embrujada.

No voy a contar más, porque si hay algo  que tiene de interesante el guión es que aquello que parece  ser no termina siendo y lo que dábamos por supuesto se termina escapando con el correr de los minutos para sorpresa y disfrute del espectador. Hasta incluso  Sussman se da el lujo de  homenajear a ese clásico de Roman Polanski cómo fue "El bebé de Rosmary" sobre la novela de Ira Levin con algunas sutiles pinceladas. Es bueno recordar que Sussman fue guionista del inquietante filme "Below"  de David Twohy 

Kevin Greutert, demuestra que puede hacer cine de terror sin la necesidad de mostrar tripas, sangre y miembros cercenados, utilizando una puesta de cámara mucho mas sobria, minimalista, lejos del mundanal ruido citadino, en donde los espacios abiertos y las montañas conforman el escenario perfecto para este thriller con toques sobrenaturales.

Quienes vean "Visiones" seguramente no se van a encontrar con una gran pelicula,  pero si con un producto digno del género, que entretiene, que no decae en los 80 minutos que dura y que sorprende por dos razones, por su eficaz guión y porque redime al director Greutert de ese fiasco espantoso que fue "El juego del miedo 7"     

Maggie de Henry Hobson

Cuando el horror se transforma en poesía

Existe un falso concepto de que las películas de terror, en líneas generales, no pueden ser artísticas y que deben ser meros entretenimientos para un público "pochoclero", ávido  de ver litros de sangre, diversas maneras de morir y recibir una dosis de sustos al por mayor. Nada de eso sucede con "Maggie" (2015) de Henry Hobson, un filme que realmente sorprende por su simpleza narrativa, su estética casi "amateur" y su nimia historia.

El filme toma como eje central la epidemia zombie, un tema nada novedoso y que últimamente ha dado infinidad de películas e incluso serie exitosas como "The walking dead"  lo interesante aquí  es el punto de vista desde donde está contada la historia y cuál es el verdadero conflicto, que nada tiene que ver con el ataque de una horda de muertos vivientes con hambre de carne humana. Lo transcendental del filme es la relación padre hija y el valor del amor filial, ese que puede superar cualquier obstáculo, incluso la  lenta degradación del cuerpo y la transformación inexorable en un ser monstruoso.

"Maggie", no solo nos hace reflexionar sobre el verdadero sentido de las relaciones fraternas, sino que nos pone frente a la necesidad de tomar decisiones ante lo inevitable, decisiones que escapan a cualquier racionalidad posible cuando se trata de la vida de una hija, y que obligan, si es necesario, a enfrentarse al sistema para defender el derecho a una muerte digna en las condiciones que uno elige y no en las que le son impuestas. El filme es además una brutal alegoría sobre el cáncer infantil y adolescente y sobre las consecuencias que trae aparejado en el seno familiar.

"Maggie" es sin dudas, la mejor pelicula  de Arnold Swarzenegger y eso es mérito doble, porque quienes siguen la filmografía del gigante austríaco y ex gobernador de California, saben que nunca fue un destacado de la actuación. Este logro se debe en gran medida al "tempo" que el director Hobson le impone al filme, algo que  sin dudas le calza justo al icónico actor de 69 años.
Abigail Breslin, con su hermoso rostro lleva el personaje que da nombre al filme con la solvencia de una joven actriz que cada día crece más y más.

Pero los laureles se los llevan Arnold y el director Hobson, ya que sin sus magníficas intervenciones, esta fantástica y emotiva película podría haber quedado rápidamente en el olvido.
  

Creed de Ryan Coogler

40 años de vigencia

Las películas de "Rocky"  (1976) desde su primera aparición  en los finales de  la década del 70  hasta sus dos últimas, "Rocky Balboa" (2006) y "Creed" (2015) siempre han sido un gran éxito de público., en especial para los americanos a quienes las historias de superación humana le son muy afines a  su "american way style"

Creed de Ryan Coogler retoma el personaje de Rocky Balboa, interpretado por el icónico Sylvester Sallone, y lo devuelve en una faceta completamente distinta, con unos cuantos años a cuesta, dolores de espalda y una vida totalmente alejada de la gloriosa época del boxeo en donde brilló como el mejor pugilista sobre la lona. El destino, y la mano del guionista (Ryan Coogler), harán que su tranquila existencia se cruce con Adonis Johnson (Michael B Jordan)  hijo no reconocido de su famoso rival Apollo Creed. Este encuentro dará lugar a una entrañable amistad entre ambos y una mutua cooperación que llevará de alguna manera a la sanación de ambos.

"Creed" es una de la mejores películas de la saga, es entrañable, conmovedora, entretenida, divertida  y  tiene a un Sylvester Sallone en una de sus mejores interpretaciones, que no veíamos desde aquel Rocky Balboa, por el que fue nominado al Oscar y no pudo ganarle a un excelente Peter Finch en "Network" de Sidney Lumet. 

Hoy, después de de 40 años de aquella premiación vuelve a tener la posibilidad de alzarse con la dorada estatuilla como mejor actor de reparto, con la diferencia que en 1976 era un desconocido y hoy es un actor, director, guionista y productor altamente reconocido por la industria  y acaba de ganar el Globo de Oro por esta actuación. 

La actuación de Stallone es realmente para destacar, es increíble como un personaje creado por él cuando escribió el guión que finalmente logro ver la luz de la mano de John G Avildsen a quedado tan impregnado en su esencia que a pesar del tiempo transcurrido sigue manteniendo la misma forma de hablar, como si tuviera una papa en la boca, y posee los mismos modismos y actitudes, a las cuales le agrega los nuevos que impone el paso de los años. Stallone está verdaderamente sublime, elegante y delicado, con una sutileza que va entre aquel bruto e inexperto que entrenaba subiendo las escaleras del Museo de arte de Filadelfia, a un sabio y experimentado entrenador que intenta ayudar a Adonis Johnson "Creed"

El director de color Ryan Coogler, con escasa experiencia cinematográfica, este es su segundo largometraje, homenajea perfectamente a la saga y al director Avildsen, en especial es las escenas arriba de ringside y logra mantener un ritmo intenso a lo largo de las más de 2 horas que dura el filme, gracias a un excelente montaje y una cautivante música rapera. Los bajos fondos de Filadelfia, son tomados por el lente de su cámara  con habilidad, logrando una perfecta empatía con ese submundo y el espectador. 

Seguramente "Creed" no quedará en la historia del cine como "Rocky", pero sin dudas está entre las mejores que se han hecho posterior a la original y lo mejorcito que he visto en estos días. Vale la pena ir a verla "Creed" gana por puntos y Stallone por knockout.

Spectre de Sam Mendes

Un Bond en decadencia

Las películas de James Bond siempre me han fascinado. Desde chico cada vez que salía algún filme inspirado en 007 el personaje creado por Ian Fleming allá por la década del 50 en plena guerra fría, corría al cine a verla. Desde Sean Connery, pasando por George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan hasta Daniel Craig, el agente secreto británico con licencia para matar no ha parado de tener misiones cada vez más sofisticadas y peligrosas. "007 contra el  Dr No" de Terence Young (1962) fue la que abrió el camino para llegar a "Spectre" de Sam Mendes (2015), la última de las entregas. En esos más de 50 años se hicieron muchas historias basadas en la novelas de Fleming, pero con el tiempo fueron quedando desactualizadas, ya que los conflictos internacionales variaron y el "eje del mal" se corrió de Rusia hacia Latinoamérica, Corea y finalmente a conflictos dentro del mismo Reino Unido. En "Spectre", el mal está dentro del mismo servicio secreto a través de una organización conformada por varios villanos del pasado y que incluye la vigilancia y el control de todos los agentes.

Sam Mendes es un gran director y lo demuestra con el plano secuencia del inicio en la ciudad de México en pleno festejo del día de los muertos, perfectamente coreografiado, con entradas y salidas de personajes enmascarados y una cámara móvil que no deja de seguir la acción la cual es cada vez más trepidante. Lo que viene después no tiene nada que ver con ese magnífico comienzo y "Spectre" entra en un producto vulgar, plagado de errores de guión, de continuidad y lleno de resoluciones tan simples y remanidas como la clásica de que la pistola no tiene balas porque el otro se las sacó antes y encima se las muestra abriendo su mano.

Si bien  el filme entretiene y las 2 horas 30 no se hacen  eternas, toda la trama alude al Bond de los 70, 80 y 90, en donde las situaciones excedían cualquier lógica. Armas que siempre tienen balas, cambios de vestuario en largos viajes a través del desierto,  destrozos donde nadie aparece para poner orden como la escena del tren en donde  Bond pelea con el enorme Hinx (Dave Bautista), un homenaje a los filmes "La espía que me amó" (Lewis Gilbert 1977) y "Mooraker" (Lewis Gilbert 1979)  en donde el Bond que interpretaba Roger Moore se enfrentaba en un tren con Mandíbulas, un gigante Ruso interpretado por el actor Richard Kiel. El filme en sí es totalmente autorreferencial desde  tener un personaje llamado M (Ralph Fiennes) igual que en "De Rusia con amor" (Terence Young 1963) hasta intentar cerrar los tres filmes anteriores que hizo Graig "Casino Royale" (Martin Campbell 2006), "Quantum of Solace" (Marc Forster 2008) y "Skyfall" ( Sam Mendes 2012)

Para terminar, "Spectre" es muy inferior  a "Skyfall" , falta química entre  Graig y Lea Seydoux y el papel de Christoph Waltz nunca termina de encajar. Da la idea que "Spectre" se hizo para dar por terminada la etapa de Daniel Graig al frente del personaje, aunque revisando en IMDB se rumorea que el actor va a estar en la próxima entrega "Bond 25"  también al parecer bajo las órdenes de Mendes. Habrá que esperar.

Upstream color de Shane Carruth

El color de los sentidos

Que puedo decir de "Upsteam color", segundo filme de Shane Carruth, que después de su original "Primer" vuelve con una película extremadamente compleja y con múltiples lecturas. En realidad podría escribir largos párrafos y difícilmente llegue a una conclusión exacta de los que el filme significa, es que a Carruth, no le interesa tener una conclusión final, sino por el contrario, dejar abiertos interrogantes sobre algunos temas de la condición humana para que el espectador de paladar negro disfrute de noventa minutos a puro cine mientras ejercita su cerebro. Porque en definitiva "Upstream color" no es otra cosa que un ejercicio mental e intelectual, que se construye en la cabeza de quien se dispone a verla.

Carruth es sumamente inteligente en el armado del relato, que por supuesto no sigue una lógica narrativa tradicional, que se muestra complemente alterado temporalmente y que apuesta a una narración más bien sincopada y ecléctica.  Lo que importa no es tanto el contenido narrativo sino lo que esta debajo, eso que lingüistas como Roman Jacobson definían como metalenguaje. En ese entramado de mensajes subterráneos, Carruth construye un filme subyugante, interpelador y por momentos ambicioso, en donde las relaciones humanas, la trascendencia del alma y los encuentros predestinados se vislumbran como pilares sustentatorios. También la banda sonora es un aspecto fundamental para amalgamar un relato complejo y para crear los climas necesarios, sin los cuales el filme perdería parte de su potencia.

Es dificil resumir la historia, pero podría verse de esta manera. Kris (Amy Siemetz)  es victima de un delincuente que utiliza unos gusanos únicos que crecen en una planta muy particular y que al ser ingeridos por las personas desprenden una potente droga que hace que la victima pierda todo control de si misma y se vea completamente  dominada a merced de su secuestrador, quien le quita todo su dinero mediante la firma de cheques. Una vez pasado el efecto de la droga, el gusano sigue creciendo dentro del cuerpo de Kris, quien intenta quitárselo abriendo su carne sin obtener resultados. Un misterioso criador de cerdos y técnico en grabación de sonidos    será quien le estirpe el gusano mediante una  extraña operación en donde parte de la piel de uno de sus cerdos es colocada sobre las heridas de Kris. A partir de allí ambos estarán conectados de por vida. Kris conocerá a Jeff ( Shane Carruth) quien intuimos, paso por la misma situación que Kris. A partir de ese encuentro sus vidas se entrelazan junto con los cerdos y el granjero quien parece tener el poder de un Dios.  

Contar más sería atentar contra el filme, pues de ahí en adelante es donde todo se vuelve más complejo y por momentos repetitivo, empiezan a escasear los diálogos y todo se va hilando hacia un final que de alguna manera cierra la historia.

"Upstream color" no es una película fácil, ni comercial, es un filme que exige una importante participación del espectador para entenderla, aunque sea en un sentido más simbólico, y que nos invita a reflexionar sobre muchos temas  que hacen a nuestra especie y otros que trascienden más allá de cualquier frontera, en donde religión y ciencia se fusionan. 

"El juego de Ender" de Gavin Hood

Juego anti bélico 

Las películas sobre entrenamiento militar en academias del ejército me tienen un poco harto, desde "Reto al destino" de Taylor Hackford, el cine  sobre militares rudos y soldados que hacen un esfuerzo sobre humano por vencer sus miedos y lograr su meta, es moneda corriente. Últimamente, y desde  "Alien, el regreso" de James Cameron y "Starship Troopers" de Paul Verhoeven,  el cine sobre militares que se entrenan con un loable fin, se ha traslado a la ciencia ficción. Es el caso del filme "El juego de Ender", película basada en la novela de Orson Scott Card, en donde Ender, un adolescente es puesto a prueba al máximo de  sus posibilidades físicas y mentales con el propósito de convertirse en el nuevo líder militar  que deberá enfrentar a los "Formis" una raza extraterrestre con forma de hormigas y evitar así una nueva invasión. Hasta ahí nada nuevo. 

¿Pero que es lo que diferencia a  "El juego de Ender" de otros filmes como "Después de la tierra" de M. Night Shyamalan  y la misma "Starship Troopers"  en primer lugar el concepto visual que es verdaderamente asombroso y en segundo lugar es el mensaje final del filme, porque en el fondo, la historia es totalmente anti bélica y se muestra muy crítica sobre la formación de soldados y su accionar ante el enemigo. Eso solo hace que "El juego de Ender" se destaque de los otros filmes y no se termine convirtiendo en un producto más pro militar.

El sudafricano Gavin Hood, realiza un trabajo perfecto al ensamblar las escenas digitales con las que no lo son,  y eso hace que sobresalga de filmes similares. Las interpretaciones son adecuadas, pero se destaca la del jovencito  Asa Buterfield en el papel de Ender Wiggin  quien realiza una interpretación a la medida del personaje. Por  su lado Harrison Ford en el rol del Coronel Graff, se muestra sólido, aunque algo estereotipado. En un papel pequeño pero importante aparece Ben Kingsley como el mayor Mazer Rackham.

Sin ser una gran película, "El juego de Ender" resulta un buen entretenimiento que además, trae escondido un mensaje sobre lo que significan las guerras y los exterminios masivos. Para pensar y reflexionar.