El canal de Ivan Kavanagh

El mal viene de adentro

El cine de terror nos tiene acostumbrados a los sobresaltos, a los litros de sangre y las criaturas pegajosas que reptan y se esconden en las sombras. "El canal", filme irlandés de Iván Kavanagh, es algo distinto,que busca, al igual que el excelente filme escocés "The Babadook" de Jennifer Kent, centrarse en un cine en donde las realidades se alteran después de un hecho traumático y a partir de allí construyen un relato de horror en donde uno no puede discernir si lo que sucede es real o esta en la mente del personaje. 

Las comparaciones entre ambos filmes  no es arbitraria. En "The Babadook" una madre que ha perdido recientemente a su marido ve amenazada la vida de su pequeño hijo cuando la aparición de un misterioso libro sobre un siniestro personaje llamado Babadook comienza a atacar su hogar. 

En "El canal", un matrimonio joven con un hijo se mudan a una casa al borde de un canal de agua en la que se han cometido asesinatos en  el 1900  y cuya historia es de alguna manera replicada a partir de un hecho de infidelidad por parte de la mujer y su dudosa  posterior muerte en la zona del el canal. 

En ambos filmes el espectador percibe cierto halo entre el mundo de los cuerdos y el de los locos y porque no entre lo que es natural y lo que es sobrenatural, pero es quizá en "El canal" donde esta división no se vea tan clara, y uno empiece a dudar si realmente las muertes y los ataques a la casa y a su hijo son el fruto de una posesión demoníaca o de un hombre realmente perturbado. No hay una manera de saberlo con certeza, porque el excelente guión se encarga de llevarnos por los vericuetos de la mente humana, y al igual que las aguas del canal, uno fluye hacia espantosos  y pestilentes desagües de maldad y horror.

Con excelentes interpretaciones en especial  la de el actor Rupert Evans, "El canal" se muestra como un filme ambicioso y distinto en lo que respecta a filmes de casas encantadas y busca tener por momentos un estilo propio, aunque algunos críticos lo hayan comparado con "Lost Highway" de David Lynch., con algunos filmes de horror japonés y con "Siniestro" de Scott Derrickson

Terror, maldad absoluta, crímenes satánicos ocurridos allí en la casa tiempo atrás, películas antiguas que muestras un pasado lleno de muerte, una infidelidad que termina en tragedia y el miedo a perder la razón, se combinan perfectamente para darnos un filme muy entretenido, con una excelente factura técnica y unos climas realmente asfixiantes.

Junto con "The Babadook", creo que ha sido de lo mejor en terror que ha visto este año.

Villegas de Gonzalo Tobal

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"Villegas", opera prima del director argentino Gonzalo Tobal es una de esas películas que en la superficie parece no decir nada, pero en que en el sustrato, en lo profundo del entramado dice mucho.

Todo comienza con una anécdota nimia, incluso hasta podría decirse ya vista, dos primos que hace tiempo no se ven deben viajar al pueblo de General Villegas en la provincia de Buenos Aires para asistir al entierro de su abuelo. A partir  de ese punto de partida, todo es un devenir de situaciones que por momentos resultan en una especie de espejo de la vida misma. 

El viaje, los diálogos de los primos, pintados desde la cosmovisión de una realidad tan posible como creíble, van armando una trama intimista que deja ver algunas diferencias entre ambos. Pipa (Esteban Bigliardi), el bohemio, el músico de rock, el que no tiene una relación estable, se ve enfrentado a Esteban (Esteban Lamothe), una especie de joven perfecto, que goza de trabajo fijo, que le va bien en la vida y que está a punto de casarse. Son dos mundos opuestos, unidos por la sangre, esa misma que los convoca a regresar a su pueblo natal tras muchos años de ausencia. Y así transcurre el filme, en ese medio tono entre lo urbano que dejaron atrás y la vida rural y familiar que les espera por unos días. 

En el camino surgirán peleas, amores posibles y recuerdos de la infancia. En el pueblo, descubrirán quienes son y  el porque se marcharon de esa  vida tranquila y acomodada. El reencuentro con familiares, teñidos de un sutil distanciamiento y solemnidad, hace que uno empiece a armar la historia de ambos. 

El filme no da demasiados datos, todo es rutinario, moroso y  cotidiano, es el espectador quien tiene que intuir, entre el entierro, los asados, los amigos, las fiestas, las vacas y las largas extensiones de campo quien es cada uno y hacia donde quieren ir. Por eso dije que "Villegas", parece no decir nada, pero termina diciendo mucho. 

Ver "Villegas" es un placentero viaje que uno hace al corazón de la Provincia de Buenos Aires pero también al interior de estos dos seres, imposibilitados de reconstruir una historia familiar truncada por el abandono temprano, algo que buscan reparar para alivianar así las cargas que llevan consigo, pero que en definitiva no puedan hacerlo por sus propias limitaciones afectivas. Quizá sea Pipa, quien más sufra esa enorme mochila, no es arbitrario que sea él quien lleve además del bolso con ropa, su guitarra y su equipo de música. La metáfora esta más que clara.

Con una puesta de cámara armoniosa, sin estridencias, actuaciones más que logradas, largos silencios en los momentos justos y una música impecable que termina de hilvanar esa escueta anécdota, "Villegas" se transforma un pequeño gran filme, en donde lo que importa no son las acciones dramáticas, sino las emociones, las sensaciones de unos personajes que están debatiéndose entre lo urbano y lo rural, pero también en las próximas decisiones que tomaran sus vidas.

Líbranos del mal de Scott Derrickson

Un demonio suelto en el Bronx

Al director Scott Derrickson el cine de terror  le gusta y eso se nota. Desde "El exorcismo de Emily Rose", Derrickson ha demostrado, con algunas decepciones en el medio como "Hellraiser: Infierno" y  la remake del "El día que paralizaron la tierra",  que  el género le cae muy bien. Su último filme "Líbranos del mal" es un poco un resumen de sus más oscuras obsesiones. El mal, encarnado en un demonio que habita el cuerpo de otro ("El exorcismo de Emily Rose")  o que roba niños para convertirnos en crueles asesinos de sus familia ("Siniestro") es el tema central que perturba al director y que aquí, vuelve a estar de alguna manera presente, aunque imbricado dentro de una trama policial.

El filme cuenta la historia del policía Ralph Sarchie (Eric Bana)  un  detective del Bronx que se ve envuelto en una serie de hechos que lo terminan llevando hacia un enfrentamiento con el mundo paranormal y con un ancestral y terrible demonio.

El guión, escrito por el propio Derrickson y Paul Harris Boardman, esta basado en el libro "Cuidado con la noche" del propio Sarchie sobre sus experiencias en encuentros con demonios y exorcismos mientras era policía de uno de los distritos más peligrosos de New York durante los años 80. Si bien la historia nada tiene que ver con los relatos que allí se cuentan, el haber leído el libro de Sarchie le sirvió al director para realizar un filme a su medida.

Todo se inicia en Irak cuando un grupo de tres soldados se enfrentan durante una batalla nocturna a un milenario demonio que se encarga de poseer al Sargento Santino (Sean Harris) La historia se traslada a la actualidad donde el Sarchie y su compañero Gordon ( Dorian Missick) comienzan a vérselas cara a cara con extraños y espeluznantes hechos causados por Santino y por Jimmy (Chris Coy), otro de lo soldados que estuvo presente en Irak en el encuentro con el demonio. En medio de sus investigaciones Sarchie conoce al poco convencional sacerdote Mendoza (Edgar Ramírez) quien lo introducirá de lleno en el tema de lo paranormal y lo ayudará a resolver el complicado caso, enfrentándose al mismísimo demonio.

"Líbranos del mal" no es lo mejor de Derrickson, sin dudas "Siniestro" esta por arriba, pero si es un filme perturbador, inquietante que combina perfectamente el género policial con el de terror y lo hace realmente bien. El principal problema que tiene sea quizá, eso que también tuvo "El conjuro" de James Wan y es la excesiva ficcionalización en función del entretenimiento, lo que hace que por momentos caiga en muchos de los lugares comunes del que es habitual este tipo de películas. Así y todo el filme tiene sus buenos momentos de terror en donde uno se asusta bastante y se olvida por unos instantes de esas desavenencias argumentales.
Para cerrar, algo que no me gusto y que me pareció innecesario, es la idea de relacionar, de manera simbólica, a los Irakies como fuentes del más puro mal, un trazo grueso en el guión que no hacia falta.

Debajo de la piel de Jonathan Glazer

En la piel de la mujer

El director británico Jonathan Glazer nos tiene acostumbrado a un cine algo extraño. Ya había sorprendido con "Reencarnación" (2004)  en donde una mujer que acaba de enviudar (Nicole Kidman)  encuentra en un niño (Cameron Bright) la reencarnación de su esposo.  El filme causó cierto revuelo por algunas escenas subidas de tono entre Kidman y el pequeño Bright, lo que le dio cierta fama de ser un director independiente.

Su ultima película  "Debajo de la piel"  intenta ir por el mismo contra sentido, es decir no ir por los caminos tradicionales del cine de industria, sino por uno más alternativo, ya que es un filme que en la superficie se muestra como enmarcado dentro del género de ciencia ficción, de esos  que se están empezando a ver más seguido, en donde no existen prácticamente efectos especiales y lo que se pone en juego es la historia que se quiere contar. Pero Glazer va un poco mas allá y presenta un filme con momentos deliberadamente experimentales, que se alejan por completo del género. Esto es porque si bien "Debajo de la piel" parte de una idea de ciencia ficción, el resultado no lo es en absoluto. 

Scarlett Johansson interpreta a un ser extraterrestre, que disfrazada, por decirlo de alguna manera, de humana, se encarga de buscar a hombres y atraerlos sexualmente con el fin de llevarlos a un lugar donde serán atrapados y luego convertidos en alimento. Así como lo cuento parece estremecedor, pero si hay algo que no le interesa mostrar al director es eso, porque el filme se abre hacia varias aristas que tienen que ver con el rol de la mujer y el descubrimiento de su sexualidad, la identidad de género, el abuso y la discriminación sexual. Se podría decir que "Debajo de la piel" es un filme pensado desde la mirada de la mujer y que enmarcado en una atmósfera de irrealidad, intenta  hablarnos de hechos muy reales y concretos, que nada tiene que ver con el espacio exterior, con alienigenas y objetos voladores no identificados.

El filme, que esta basado en la novela de Michel Faber, no escatima en mostrarle al espectador por donde va la cosa. Escasos diálogos, personajes anónimos, música hecha a base de sonidos extraños y cacofónicos, edición con una fuerte predominancia del fuera de raccord, una marcada impronta documental, algunas situaciones desagradables y otras que no cierran a propósito. Todo eso es "Debajo de la piel", una película distinta, inquietante e inteligente. Sin dudas, de lo mejor que he visto últimamente.

Holy Motors de Leos Carax

La vida de los otros

El cine de Leos Carax es siempre irreverente, políticamente incorrecto y fuera de cualquier estructura narrativa clásica. Desde su extraño pero magnifico filme  "Mala sangre" (1986) el director francés a mostrado ser un vanguardista  y un "iconoclasta" del séptimo arte. En sus filmes, la ambigüedad resulta ser particularmente representativa y su demostrado interés por que se lo considere el niño mimado de los festivales europeos, lo ha llevado a ser una especie de "marca registrada".

"Holy Motors" (2012), su ultimo filme, es la síntesis de si mismo. Carax abunda en los lugares más oscuros de su inconsciente para despojarse de toda lógica narrativa y entrar en el mundo de la hiper realidad que plantea Jean Baudrillard. Hay en "Holy Motors" una idea central que nos lleva a pensar sobre si la realidad en la que vivimos es realmente lo real o ha sido reemplazada por otra realidad. 

El señor Oscar, interpretado por el brillante Denis Lavant, trabaja para la empresa "Holy Motors" de actor, o para ponerlo en términos de Bourdieu, de agente, un agente social montado arriba de una lujosa limusina, que cambia de rostro, de persona e interactúa un nuevo rol en medio una sociedad hilvanada por las distintas realidades que le toca interpretar. Carax ahonda en una suerte de repetición constante, casi como si fuera el mito de Sísifo, en donde el personaje esta condenado a vivir la vida de otros todos los días. Sus personajes son tan disimiles y extremos que puede pasar de un hombre moribundo en un cama a ser un asesino a sueldo, porque como dijo el poeta Arthur Rimbaud  "Yo soy el otro".

Carax no es ningún improvisado, su cine se construye desde la intertextualidad más absoluta, con la mirada puesta en la sociología, la filosofía o la psicología. Teorías como las de Baudrillard, Debord, Bourdieu y Goffman  están presentes en "Holy Motors"  No se puede interpretar este filme si no se conocen al menos algunas de estas corrientes del pensamiento filosófico y sociológico.

No esperen ver un filme sencillo, no crean que van a encontrarse con una película que los va a entretener, prepárense para asistir una experiencia cinematográfica única, que los va a transportar a esos rincones del pensamiento humano, a esos umbrales entre la realidad y la irrealidad  y porque no, a aquellos lugares oscuros del alma humana.

El sonido de mi voz de Zal Batmanglij

La nueva ciencia ficción

El género de ciencia ficción esta dando algunos giros interesantes, en especial en directores independientes. Filmes como "Primer" (2004) y "Upstream color" (2013) de Shane Carruth ,"La otra tierra" (2011) de Mike Cahill, o "Sleeping beauty" de Julia Leigh, son alguno de los mejores exponentes. 

A esta nueva camada de películas y directores hay que sumarle ahora a Zal Batmanglij con "El sonido de mi voz", un filme muy interesante, que al igual que Carruth en "Primer",  toma el tema del viaje en el tiempo, pero no desde la óptica científica de Carruth, recordar que el director es un matemático devenido a cineasta, sino desde un aspecto más ligado a las creencias.

Peter (Christopher Denham) y Lorna (Nicole Vicius), son una pareja de documentalistas que están dispuestos a desenmascarar a Maggie (Brit Marling), una líder de una secta, que dice ser una viajera del futuro y venir del año 2054 con el fin ayudar a la humanidad. Para este fin  Peter y Lorna se introducen en la secta como nuevos miembros y con una micro cámara instalada en los lentes de Peter, intentarán poner al descubierto a Maggie, a quien suponen una peligrosa farsante.

Una vez dentro de la organización, aunque no viven allí, sino que van y vienen, las cosas empiezan a cambiar. Peter, quien al principio se muestra más reacio que Lorna a los ejercicios de limpieza espiritual, con el tiempo, y a partir de algunos datos personales sobre su pasado revelados por Maggie, empezará a dudar sobre sus propias creencias acerca de si es posible viajar a través del tiempo y en especial sobre la figura de Maggie.

Todo termina de complicarse cuando Maggie le pide a Peter como signo de lealtad, que le traiga a Abigail Pritchett (Avery Kristen Pohl), una extraña alumna suya, ya que según ella, esa niña de 8 años años es su madre.

No voy a contar más aspectos de la trama, lo que si voy a decir que el filme, escrito por el propio Zal Batmanglij y Brit Marling, actriz que trabajó también el "La otra tierra" , tiene unos diálogos maravillosos, de una profundidad metafísica pocas veces vista en el cine de ciencia ficción. 

"El sonido de mi voz", es un filme, bello, poético y movilizador, que abre el debate sobre si existe realmente la posibilidad del viaje en el tiempo, pero también nos habla del poder de persuasión de las sectas y como manipulan las mentes de muchas personas.

Con un filme de ciencia ficción distinto, algo más difícil de interpretar, pero más inteligente y reflexivo, Batmanglij se arrima a esta "nueva ola" de realizadores preocupados por una hacer un cine distinto. Esto demuestra que se puede hacer filmes que aborden la temática fantástica, sin utilizar un solo efecto especial, y eso es realmente bueno para la cinematografía mundial.

Batmanglij, se muestra como un joven realizador con un futuro inmenso. Todavía hay que esperarlo, ya que estoy seguro va a dar mucho más y pronto, se va a convertir en un director de culto como Carruth. Ojala siga en esta linea, le queda muy bien.

The Lords of Salem de Rob Zombie

Solo para fanáticos y satanistas 

Acabo de leer un comentario en el diario Página 12 sobre "The Lords of Salem", la última película de Rob Zombie, el cual dedica gran parte del texto a comparar el filme con clásicos de terror como "El bebe de Rosemary"  de Roman Polansky o "El resplandor" de Stanley Kubrick  y la verdad voy a disentir completamente.

"The lord of Salem" es el peor exponente del director Rob Zombie. El guión es muy flojo y al final termina empantanado en una historia previsible, repugnante y por  sobre todas las cosas, convirtiéndose en una burda apología satánica. 

Solo rescato del filme y de la critica que leí, cierta intensión del director por trabajar los climas tenebrosos y ominosos mediante el uso de una iluminación oscura y algún que otro plano mas que interesante. Pero con eso solo no alcanza. 

El filme, no asusta en absoluto, solo repugna por sus exacerbadas imágenes demoníacas. Por momentos se siente algo inquietante, pero nada mas. Su esposa Sheri Moon Zombie, esta mas inexpresiva que nunca e incluso actúa como si estuviera amarrada a un palo de escoba, eso es porque nunca se creyó el personaje que le toco interpretar y porque la historia esta recontra trillada. 

Intentar comparar "The Lords of Salem" con "El bebe de Rosemary" o "El resplandor", es inaceptable, y que me perdone el autor de la critica, a quien respeto y mucho, pero ambos filmes están a años luz. 

Si tomamos "El bebe de Rosemary" vemos que Polansky hizo un filme sobre el heredero del diablo, pero desde el personaje de Rosemary Woodhouse, que interpretó magníficamente Mia Farrow y con una poesía y sutiliza única en el género. Zombie en cambio, hizo un producto para fanáticos del 666 y para promocionar un poco mas al demonio y a sus huestes. El resultado es un pastiche de imágenes desagradables, que  se asemejan mas a un video clip de algún grupo de metal satánico como White Zombie o Wednesday 13, dos de las bandas en las que participo el director, que a un filme de horror.

Creo que solo los muy fanáticos del género y del director pueden haber disfrutado esta película. A mi, además de aburrirme de principio a fin, me molesto mucho su obsecuencia satánica y sus innecesarias imágenes diabólicas, las cuales me revolvieron  un poco el estomago, y eso que estoy acostumbrado a este tipo de cine. Quizá, esa haya sido la idea del director y yo sea un idiota que nunca entendió  su mensaje. ¿Debería pasar la película al revés?

Aquí pueden leer el articulo de referencia, ver la película por HBO y comparar ambas criticas.

After earth de M. Nigth Shyamalan

Prueba superada

La nueva película de M. Nigth Shyamalan "After earth" me dejo un sabor a poco. Si bien es cierto que después de "El sexto sentido" sus posteriores filmes nunca alcanzaron el mismo nivel éxito, hubo algunos mas que interesantes como "Señales", "La aldea" y "El protegido". Posteriormente entro en una suerte de filmes en clara decadencia hasta meterse con las historias en donde los efectos especiales son importantes protagonistas.

"After earth" es una historia escrita por el propio Will Smith (el guion esta escrito por Shyamalan y Gary Whitta) y a la medida de él y su hijo. Así como en "El precio de la felicidad",  Will interpretaba a un luchador de la vida que intentaba salir adelante por el bienestar de su hijo, este, su ultimo filme,  se podría decir que es lo mismo pero en el futuro y  a la inversa. Aquí es su hijo, ya más grande y corpulento, quien debe luchar por su padre.

En un futuro lejano la tierra ha sido abandonada y considerada  de riesgo para volver a ser habitada. Los viajes en naves espaciales a IO, una de las lunas de Júpiter son habituales. Cypher (Will Smith) es el comandante general y su hijo Kitai (Jaden Smith) un  aspirante a Ranger, que pierde su posibilidad de acenso. La relación con su padre no es buena y para limar asperezas Cypher decide llevarlo con el en uno de sus viajes espaciales en el cual trasladan a un especimen de Ursa, una temible raza extraterrestre ciega que detecta a los humanos a través de las feromonas que expele el cuerpo al tener miedo.  Cypher es el único de los humanos que ha logrado con el tiempo desarrollar una forma de no tener miedo y por lo tanto convertirse en invisible ante esta raza alienígena. 

La nave colapsa en medio de una lluvia de asteroides y cae en picada... ¿a donde? al planeta tierra. No hay ningún sobreviviente, salvo Cypher y Kitai. Cypher  está imposibilitado para salir de la nave por daño en una pierna. Kitai tiene que hacerse cargo de la situación y viajar 100 km por un terreno hostil para llegar a la cola de la nave y retirar una pistola de rayos de luz de emergencia y demostrar que es tanto o mejor que su padre, y por si esto fuera poco el Ursa a escapado y anda libre por la tierra. 

A partir de allí los lugares comunes empiezan a aparecer y el filme se vuelve una pringosa demostración de heroísmo, esfuerzo, de que todo se puede y de que la gloria se consigue si se logran vencer los miedos. Todos estos, estandartes típicos de la sociedad americana y recontra vistos en distintos filmes.
Finalmente Ketai logra superar la prueba y todos contentos.

Para destacar, la ambientación, que conjuga una ingeniería similar a la de huesos de Rudy Giger utilizada en los diseños de "Alien" de Ridley Scott con telas al estilo las velas de los veleros. Lo demás, solo para pasar el rato.

Oblivion de Joseph Kosinski

Recuerdos del 
pasado

El cine de ciencia ficción si bien es abundante es escaso en productos sólidos y de calidad. Quizá sean "2001 Odisea del espacio" de Stanley Kubrick, "Solaris" de Andrei Tarkovsky y "Alien" y "Blade Runner", ambos filmes de Ridley Scott, los mejores exponentes del género. El resto que se ha hecho hasta ahora, han sido realizaciones de todo tipo, desde extremadamente precarias en su producción hasta grandes super producciones llenas de efectos digitales, pero con pobre contenido argumental. (se salvan algunas como "Matrix" de los hermanos Andy y Lana Wachowsky e "Inteligencia artificial" y "Minority report" de Steven Spielberg)

"Oblivion" del director Joseph Kosinski es quizá una excepción ante tan mal uso de los efectos visuales y una buena respuesta a cierto maniqueísmo argumental, en donde los malos son los aliens, que en una especie de "alter ego" del espíritu estadounidense, buscan conquistar nuestro planeta a como de lugar.

En "Oblivion" es el año 2077 y la humanidad ha sido arrasada por los "carroñeros" unos seres extraños que deambulan por la tierra devastada, luego de un holocausto nuclear. Los humanos han abandonado el planeta y se han reinstalado en Titán una de las lunas del planeta Júpiter. Una patrulla de Drones mantienen el orden y recorren los desolados paisajes terrestres en búsqueda de "carroñeros" con el fin de exterminarlos. Jack Harper (Tom Cruise) y Vika Olsen (Andrea Riseborough) son un equipo que se encarga del mantenimiento y la reparación de estos Drones y ambos viven en una plataforma elevada a unos kilómetros de la tierra, la cual es a su vez comandada por TET, otra plataforma con forma triangular que se encuentra fuera de la órbita terrestre.

La caída de una nave espacial a la tierra y la recuperacion por parte de Jack de un solo sobreviviente, la Teniente Julia Rusakova (Olga Kurylenko) abrirá la trama hacia un oscuro secreto que lo llevara a conocer la verdad de su existencia y de quienes son en realidad los "carroñeros" y su jefes directos en TET.

El arquitecto y devenido director de cine, Joseph Kosisnki ("Tron el legado"), consigue un filme magnifico. Su concepto visual es realmente asombroso. Las formas minimalistas de la plataforma donde viven y trabajan Jack y Vika son de los mejor y se contraponen con el eclecticismo de los ambientes terrestres. El diseño de los Drones y la calidad de los efectos digitales es perfecto. No hay un solo efecto digital que esté de mas o que se sienta fuera de lugar.

"Oblivion", no es la mejor película de ciencia ficción, pero si un producto distinto, que si bien tiene a un actor "marketinero" y de la industria como es Tom Cruise, se las ingenia para salirse del molde y brillar con luz propia. Kosisnki, quien es además autor de la novela gráfica en la que se baso el guión, y su estilizada visión tienen mucho que ver en el resultado final.

Con un elenco que se completa con Morgan Freeman y Nikolaj Coster Waldau, "Oblivion" es un filme interesante que atrapa desde el inicio y que de alguna manera al develarse el secreto, nos remite a "2001 Odisea del espacio".Vale verla.

Amor de Michael Heneke

Obra maestra

Hace unos días vi "Amor" de Michael Haneke y la verdad que hacia tiempo no veía un filme tan bello, tan sublime y tan emotivo como el último filme del director alemán. Ver "Amor" es reencontrarse con el viejo cine francés, ese que hacía Claude Sautet, Bertrand Tavernier, André Techiné y porque no el maestro Eric Rohmer.

"Amor" cuenta, con gran simpleza, la relación de Georges y Anne, dos ancianos jubilados, ex profesores de música, en los últimos años de sus vidas y como la aparición de una hemiplegia en la mujer refuerza los vínculos afectivos de su esposo y como el amor, supera las dificultades que implica tener un enfermo en la casa.

Con una interpretación magnífica de los veteranos actores Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, "Amor" es un filme, duro, pero lucido, que nos invita a reflexionar sobre el paso del tiempo, la vejez y como el amor se va transformando con los años. También nos acerca, con gran lucidez, a las relaciones entre padres e hijos, en los momentos mas difíciles en la vida de una persona.

Haneke brilla por su sobriedad y sencillez, por sus tiempos pausados y sus fuera de campo, haciendo honor a la mejor tradición del cine de autor francés. Su manera de narrar se aleja de aquellas utilizadas en filmes anteriores. Se muestra mas formal, mas cuidado, mas maduro.

El guión, escrito por el propio Haneke, es brillante, sin fisuras, con diálogos impecables y escenas de antología. No le sobra nada, no le falta nada, se podría decir, que es un guión redondo

Michael Haneke homenajea al cine francés de los 70 y 80 , y lo hace con excelencia, hasta parece no ser alemán. Su solvencia narrativa es de destacar al igual que su coherencia respecto de lo que cuenta. Quienes tenemos padres de mas de 80 años, nos sentimos realmente identificados con su propuesta, porque nos acerca de manera simple pero contundente, a un realidad por la que la mayoría, tendremos que pasar alguna vez.

Pina de Wim Wenders

Bailemos, bailemos sino, estamos perdidos

A veces el cine te sorprende y tenes la suerte de que viste una excelente película. Es el caso de "Pina" del director alemán Wim Wenders, que en una especie de documental artístico recrea las mejores coreografías de la talentosa coreógrafa y bailarina alemana Phillippina Bausch, mas conocida como Pina  (27/07/1940 -30/06/2009) de la mano de quienes aprendieron danza contemporánea en la escuela Tanztheater  Wuppertal que ella fundo en 1972 con el nombre original de Wuppertal Opera Ballet.

El filme es un maravilloso recorrido por el mundo de Pina y de lo que significo en la vida  de cada uno de los integrantes del ballet. Wenders conjuga danza y cine al mejor estilo Carlos Saura con el el flamenco, pero su visión es menos sesgada, menos teatral, aunque hay también teatralización, ya que aprovecha espacios urbanos de Alemania para introducir allí la danza. Wenders sabe que el movimiento es lo significativo por eso siempre que posa su cámara en exteriores pasan trenes aéreos, autos, etc. resignificando así el sentido del arte de Pina.

Extremadamente cuidada a nivel estético y formal, el filme resulta un placer visual y un jugoso aporte al mundo de esta artista desparecida. El abanico de temas  por el que transita el filme son variados. El nazismo, el autoritarismo, el paso del tiempo, el dolor,el amor, la muerte son algunos de los más significativos.

Con un ballet impecable, coreografías súper ensayadas, algunas incursiones documentales de la propia Pina en medio de los ensayos, una puesta de cámara audaz y vistosa y un montón de reflexiones y breves anécdotas de quienes la conocieron y aprendieron junto a ella, "Pina" es cine de alto vuelo.

Reflexiva y melancólica, así es la película, como la vida de esta grande de la danza contemporánea que veía al baile como algo esencial para  la vida 

"Bailemos, bailemos sino, estamos perdidos"

Mr Nobody de Jaco Van Dormael

Una película cuántica

Se podría decir que "Mr Nobody" es una película cuántica. La teoría de cuerdas, los multiversos, la teoría de caos y los enigmas del Universo y como actúan nuestra decisiones sobre los seres humanos es el planteo de esta muy elogiable película del director Belga Jaco Van Dormael. Pasado, presente y futuro se conjugan en un filme sorprendente que cuenta la historia de el "Señor Nadie" un anciano de mas de cien años atrapado en un futuro en donde las personas ya no mueren de viejo y en donde su presencia es toda una rareza. Pero el filme es también la historia de sus posibles vidas en los distintos universos paralelos y sus encuentros y desencuentros con sus padres y sus amores de juventud. Contada como raconto, el filme va y viene entre los universos, alternando los tiempos y la narración, la cual es extremadamente quebrada.

Van Dormael deslumbra con sus primeros planos y sus fuera de foco, su imagen impecable y cuidada al extremo y por su poesía. Van Dormael es un poeta de la ciencia ficción y de la indagación humana. Planteos como ¿Somos los únicos en el universo? ¿Existen otros mundos paralelos? ¿El aletear de una mariposa puede causar un huracán en otra parte del mundo? ¿Que es la vida? ¿Podemos vivir eternamente? son algunos de lo puntos por donde transita el guión escrito por el propio Van Dormael.

Enmarcado en el post Ciber punk "Mr. Nobody" resulta un filme realmente mas que interesante, sobre todo para aquellos que conocen algo sobre la mecánica cuántica, y las nuevas teorías del Universo, quienes seguramente lo disfrutaran a pleno. Celebro que existan filmes como "Mr Nobody" no solo por su contenido, sino por su belleza plástica y su poesía.

Jared Leto encarna al "señor nadie" en distintos universos y Sarah Polley, Diane Kruger y Linh Dan Pham sus esposas y novias, mientras que los excelentes Rhys Ifans y Natasha Little actuan en el rol de sus padres.